El Cuerpo Rítmico

CHARLA “Introducción a El Cuerpo Rítmico”

IMPORTANTE:

Este taller es un espacio de constante transformación, no es un método o una manera cerrada de trabajo, aclaro esto porque puede que muchos conceptos que hoy puedo nombrarles de una determinada manera, en un futuro puede que estén ampliados, o modificados, (incluso descartados)

POR QUÉ?

TOCAR UN INSTRUMENTO implica USAR EL CUERPO. 

No siempre se plantea eso desde la enseñanza de los mismos. Habiendo transitado por escuelas privadas de música, la Universidad de Humanidades y Arte en Rosario, el Conservatorio acá en Bs As, y habiendo conocido a muchos músicos de distinta procedencia académica o no, siempre encontré similitudes en cuanto a algunos síntomas físicos (que yo misma también tuve durante mi adolescencia) relacionado con tocar un instrumento. Fatigas, lesiones (crónicas o intermitentes), contracturas, pero también síntomas musicales, sonidos poco proyectados, problemas rítmicos, problemas de coordinación. A partir de investigaciones personales y habiendo incursionado muchas técnicas corporales diversas, desde aikido hasta un intensivo de danza clásica llegué a la conclusión que para poder “ritmar” en el movimiento, para generar calidades de movimiento, para manejar distintas velocidades, etc se necesita un conocimiento profundo del cuerpo donde todo esté relacionado y donde nada se encuentre en estado de abandono. 

Entonces por qué nada o muy poco de esto se dice al momento de abordar un instrumento? Por qué el ritmo es muchas veces algo mental y no físico?

Entonces estaría llegando a la conclusión que afirma que TOCAR UN  INSTRUMENTO es una actividad física por ende HAY QUE ENTRENARLO. 

Si bien podríamos decir/recomendar de ir a entrenar a los músicos, tomar clases, empezar a “hacer algo con su cuerpo” (este es un primer gran paso), en mi caso, y a causa también de una trayectoria paralela a la música más relacionada con la danza o la performance, empecé a investigar no sólo las relaciones en cuanto a lo técnico sino también el uso del cuerpo como un elemento performático, en la escena, se esté tocando o no. 

EL TALLER

Está planteado bajo una serie de lineamientos: 

1- El trabajo, si bien es compartido colectivamente, es un recorrido individual. Desde el comienzo de este espacio puse como condición obligatoria el seguimiento de c/u de su propio recorrido, sacando así presiones acerca del propósito de esta experiencia. A modo de ejemplo, algunos pueden usar esta experiencia como complemento exclusivamente técnico en su instrumento mientras que otros pueden aprovecharlo como herramienta escénica.

2- Es importante despojarse de las “ideas” que se tienen acerca del cuerpo, en un punto tratamos de “desaprender” algunas cosas para reencontrarlas nuevamente desde la experiencia y no desde un concepto. 

3- La observación es tan importante como la acción misma. Trabajamos en un feedback constante entre estas dos cosas. 

4- No se necesita tener un cierto “nivel de experiencia” sino más bien aprovechamos las distintas experiencias para ampliar nuestro conocimiento. 

5- Usamos la voz como parte de nuestro cuerpo y como conector con un otro instrumento si lo hubiere. 

6- Es un proceso que se despliega en el tiempo. Es por esta razón que decidimos que hoy es más que nada una charla introductoria. La idea es que, en caso de que se lleve a cabo el taller, contar con un período de al menos tres meses constantes de trabajo, (una clase semanal por ej).

7-Los ejercicios a realizar son individuales, en dúo, o grupales.

8-Preferí dejar a un lado en un comienzo los instrumentos para no tener interferencias o pre conceptos acerca de algunas cosas. Ello no quita que a lo largo del trabajo vaya apareciendo la necesidad de probar cosas en los instrumentos, en ese caso los empezaremos a incluir. 

ALGUNOS CONCEPTOS SURGIDOS EN EL TALLER Y QUE SON TRABAJADOS

1- EL TONO MUSCULAR, también relacionado con el PESO muy relacionado con las calidades de movimiento (por medio de las cuales genero intensidades, velocidades, o articulaciones distintas)

2- LA VELOCIDAD DE REACCIÓN

3- EL USO AISLADO DE PARTES O EL USO DE UN CUERPO EN SU TOTALIDAD. Para ello necesitamos ahondar en el conocimiento de nuestro propio cuerpo, tener la sensación del mismo, poder saber qué espacio ocupan sus partes, cómo se relacionan, si hay algo que está bloqueado, etc.

4- OBSERVACIÓN ACTIVA, poder aprovechar ese lugar como parte también de una escena, para sostenerla, para sostener a quien está en la acción propiamente dicha. 

5- a partir del punto 3 llegamos a la COORDINACIÓN DE PARTES AISLADAS como polifonía (partes del cuerpo en independencia unas de otras) 

6- RITMOS IRREGULARES/REGULARES – LO PULSADO o NO PULSADO – LO SIMÉTRICO o ASIMÉTRICO

7- CALIDADES 

8- LA MIRADA como apoyo del movimiento y también de lo grupal

9- LA PALABRA (como hecho rítmico)

10- LA IMPROVISACIÓN (como modo de relación). Elegí no poner estilos por delante de las pruebas, si no más bien llevar todo a instancias más primarias donde no importe necesariamente estar bajo un lenguaje en particular. 

11- FORMA como resultante de la CIRCULACIÓN Y COMBINACIÓN ENTRE TODOS ESTOS CONCEPTOS. 

12- ESCUCHA, ampliada, despierta, el ritmo en lo macro, pero también en lo micro. 

13- LA PAUSA

Charla sobre el taller con Florencia Otero